Por dentro da exposição ‘The Music is Black: A British Story’ do V&A East

Nas profundezas do confinamento, quando Jacqueline Springer leu o anúncio do Victoria & Albert Museum para o papel de Curadora África e Diáspora: Performance, pareceu-lhe um “coro de realização”. Para a criativa criada em Londres, cuja ilustre carreira abrange jornalismo musical e radiodifusão, palestras, programação e coordenação de eventos, o papel parecia um raro alinhamento de seu estudo acadêmico e prática curatorial, reunindo essas vertentes em um único espaço.

Falando com Painel publicitário do Reino Unido por videochamada, Springer lembra de ter passado “mais de quinze dias” no aplicativo enquanto revisitava as lições que aprendeu em mais de uma década ensinando sobre representação e teorias sociológicas com mídia musical. Ao candidato selecionado seria dado espaço para repensar a forma como as narrativas em torno de África e da sua diáspora são recolhidas, interpretadas e encenadas numa das instituições culturais mais influentes do mundo. Energizada pelas possibilidades que isso acarretaria, Springer sabia que precisava arriscar.

Cinco anos depois, falamos poucas semanas antes da abertura do A música é negra: uma história britânicaa exposição inaugural do V&A East – o novo local do Museu V&A em Stratford, leste de Londres, uma área considerada o berço do grime. Ao iniciar o seu papel no V&A, Springer foi fundamental para o desenvolvimento desta nova exposição envolvente, que enquadra a música negra britânica como uma força central na formação da identidade cultural mais ampla do Reino Unido.

“Algumas pessoas podem pensar que esta exposição é apenas sobre a história da música negra britânica, o que não é”, explica ela. “A mente deles pode ir direto para meados da década de 1970 ou, se eles gostam de selva e drum ‘n’ bass, para meados dos anos 2000. Mas você tem que viajar pelas histórias anteriores para chegar lá, que são complexas. Elas se sobrepõem. Elas mostram desumanidade; elas mostram inventividade. Você tem que desmontar tudo para transmitir essa mensagem.”

Abrangendo 125 anos de história, A música é negra: uma história britânica mapeia o impacto do colonialismo britânico e como a migração influenciou a riqueza intercultural da música moderna. Abriga mais de 220 objetos, baseados em fotografias, pinturas, gravuras, trajes de palco e muito mais, homenageando pioneiros como Janet Kay, Dame Shirley Bassey e Steel Pulse ao lado de vozes contemporâneas como Pequeno Simz e Sampha. Ele também examina como os sons e estilos forjados na música negra britânica foram reinterpretados por bandas como The Rolling Stones e The Beatles, passando por gêneros que vão do reggae e amantes do rock ao blues e Afrobeats.

Ao reenquadrar essa história nesta escala, a exposição procura redefinir onde começa esse legado musical e a quem pertence. Springer descreve como passou anos viajando por todo o país para reunir sua pesquisa, que incluiu discussões com a família do falecido Charlie Watts – o baterista dos Rolling Stones era um fã declarado de jazz e colecionador de discos – e uma viagem a Birmingham para examinar o papel histórico do Gun Quarter no comércio de armas e suas ligações com o comércio transatlântico de escravos.

Com a aproximação da inauguração, Springer discute seu processo de pesquisa para a exposição, como a indústria respondeu e o que significa envolver novos públicos com o trabalho de uma instituição tão icônica como o V&A.

Quando você começou a trabalhar neste projeto, há alguns anos, como você imaginou a aparência da exposição? E como isso mudou ao longo do tempo?

Mudou ao longo do tempo, mas os “trilhos” sempre foram bastante fixos. Começamos em 1900, quando a era da invenção, que realmente revigorou o século anterior, começa a mudar em vez de parar. Passa para os meios de comunicação de massa: a imprensa permanece dominante, depois chega o rádio e depois a televisão. O cinema se torna uma forma popular, mas também é utilizado pelas notícias, principalmente durante as guerras mundiais, e essa intersecção sempre me interessou.

O meu trabalho no meio académico, ao longo de dez anos em Syracuse, Westminster e Fordham, tem sido consistentemente sobre os meios de comunicação: como tratam as pessoas, o que comunicam e como a representação é construída. Como você retrata alguém que é do norte, ou gay, ou pobre? Estes blocos de construção provêm de histórias pré-existentes, moldadas pela riqueza de um país, pelo seu sentido de si próprio e pela forma como é visto pelos outros. Isso então se infiltra na sociedade – como as pessoas são classificadas, como classificam os outros – e como essas opiniões são reforçadas e exploradas através da imprensa, do cinema, da rádio e da radiodifusão.

Esse pensamento alimenta diretamente a exposição. É sobre como vemos outras culturas, línguas e formas musicais. O jazz, por exemplo, foi inicialmente considerado pouco sério ou perturbador; o blues era visto como algo menor; O evangelho emerge de uma Bíblia imposta às pessoas escravizadas. Estes julgamentos estão ligados à raça, classe e poder, e à forma como a cultura “aceitável” é definida.

Portanto, o processo consistiu em organizar tudo – tornar digerível uma ideia grande e complexa. Passou de algo bastante ousado e conceitual para algo que as pessoas podem realmente percorrer, ouvir e compreender. À medida que o público se envolve com ele – através da música e de outros sentidos – torna-se uma forma de aprofundar a sua compreensão da musicalidade e da diáspora africana. E isso acontece por meio da colaboração, tanto dentro do V&A quanto com parceiros externos.

Até que ponto esta exposição é moldada pela confiança e pelos seus relacionamentos, em oposição à investigação formal?

Ao conseguir o cargo, você terá a incumbência de saber o que está fazendo, e uma entrevista exige que haja um teste, em muitos aspectos, para ver se você é o melhor para o trabalho. Tenho experiência em jornalismo impresso, musical, jornalismo de radiodifusão, mas também leciono para estudantes universitários e também faço curadoria de eventos de forma independente. Então eu já falei com pessoas – pessoas que se interessam pelo tema, mas não necessariamente pela forma como ele é apresentado, até verem elementos que possam entender.

E esse é definitivamente o caso dos estudantes. Sabe, eu dava aulas de três horas seguidas, então sempre ativava ou intercalava minhas palestras com conteúdos, evidências empíricas que eles pudessem ver. Se estamos falando das Guerras Mundiais, eles tinham papel de jornal que podiam realmente ver como o inimigo era produzido e representado.

Em relação à pesquisa que eu iria realizar para a exposição, a mesma abordagem se aplica: garantir que o que apresento seja fundamentado, visível e algo com que as pessoas possam se envolver e compreender.

Como você apresenta cenas underground que podem ter sido preservadas através da memória comunitária e não na arte ou na escrita?

Devo dizer que você está errado. As pessoas guardam as coisas. Eu só acho que a população de artistas e o fandom (de certas cenas) simplesmente não foram abordados para realmente dizer: “Podemos compartilhar isso?” Você sabe, agora temos o Museu da Cultura Juvenil (em Londres), e temos jovens jogando seu material neles. Mas você também tem algumas pessoas que são institucionalmente avessas e podem dizer: “Como você vai cuidar das minhas coisas?” E também a grande maioria dos artistas abordados nunca pensou que o V&A iria convidá-los.

Os artistas retêm suas próprias experiências e muitos deles retêm muitas de suas coisas efêmeras pessoais. (Este processo) consistia em adaptar essas coisas efêmeras de uma forma que parecesse elegante. Em vez de pedir objetos específicos, pedi aos artistas que considerassem (suas jornadas) e depois voltei a eles. Minha abordagem foi perguntar-lhes se conseguiam identificar um item que realmente testemunhasse sua capacidade de fazer música. Portanto, não é necessariamente um instrumento, pode ser qualquer coisa – e então a explicação deles me ajudaria a descobrir onde esse item se conectaria com outro.

Uma das coisas que me surpreendeu foi que a grande maioria dos artistas, quando lhes fiz essa pergunta, disseram: “Tenho alguns discos de vendas” – isso é um cálculo institucional do seu valor comercial, é uma resposta à arte que você faz. Temos o livro de acordes manuscrito de Joan Armatrading. Temos uma partitura escrita à mão por um cantor de ópera chamado Peter Brockway, é um material lindo. Temos os óculos do (cantor) Junior Giscombe; ele foi encorajado a tirá-los para poder quebrar a América. Você tem alguns desses grandes momentos, mas também tem esses momentos lindos que mostram como as pessoas realmente trabalham e se mobilizam juntas.

O que foi necessário para construir e aprofundar a confiança dos potenciais doadores que inicialmente eram “institucionalmente avessos”?

Em primeiro lugar, direi que os músicos guardam segredos; Eu confiaria um segredo a eles ainda mais do que a alguns de meus bons amigos! (Ao falar com artistas), gostaria de reafirmar a reputação do V&A e depois dizer-lhes o quanto esta exposição é preciosa para mim. Quer dizer, o V&A fez recentemente uma exposição sobre ovos Fabergé (Fabergé em Londres: Romance à Revolução, 2022) – eles são tão caros! Havia seguranças presentes ao lado dos objetos, não apenas na sala.

Mas seja um ovo Fabergé ou as roupas de palco da (artista de rock Lovers) Janet Kay, elas são classificadas como objetos de museu. Não os vemos apenas como um vestido ou um disco, eles são cobertos pelo seguro de responsabilidade civil do governo; são objetos preciosos e nos permitem contar uma história ao público. Contratos formais de empréstimo são assinados e há um processo robusto para isso.

Houve conversas com artistas que mudaram sua compreensão do trabalho deles?

Acho que JME é uma tempestade silenciosa. Você sabe, ele é frequentemente chamado de “irmão de Skepta” ou cofundador da Boy Better Know, mas ele conhece seu próprio valor. Eu o conheci em um evento através do meu melhor amigo, que trabalha na ITV e lê notícias. Então eu disse: “JME está ali, parece que ele não quer ser incomodado. Você pode levar seu rosto famoso até lá para tranquilizá-lo?”

Isso o aqueceu um pouco; ele é um participante relutante quando se trata de ser uma celebridade, mas trabalhamos para baixar a guarda. Contei a ele sobre a exposição e ele disse: “Bem, você pode ter um Super Nintendo. Eu costumava fazer música nele; é assim que você faz batidas se não tem dinheiro, mas tem uma mente inventiva”. Quando você olha para trás ao longo da exposição – desde a criação do cilindro de cera até PinkPantheress decidir através do TikTok que iria fazer músicas curtas – você pensa na inventividade das pessoas e em quanto dela nasceu através da socioeconomia.

A rádio pirata nasceu do desejo de autonomia musical. A emissora nacional diz: “Não tocamos jazz” no início da década de 1920; “Não tocamos rock ‘n’ roll” no início dos anos 1950. Então você ouve rádio pirata e, na década de 1970, (Dread Broadcasting Corporation) DBC e outros começam a transmitir ilegalmente, porque a música ainda está lá. Então você constantemente encontra nesta exposição o caminho através do qual os negros têm insistido em ter seus direitos.

Como você acha que a exposição estabelecerá um precedente para o que o V&A East representa no futuro?

Esta é uma exposição marcante devido à sua amplitude. Mas tem de atrair um público mais jovem, muitos dos quais sentem que, a menos que frequentem a escola, não vão aos museus. Eles vêem os museus como um lugar onde são forçados a fazer uma viagem de um dia, quando provavelmente querem ir para outro lugar – todos nós já passamos por isso, onde a estrutura de uma viagem escolar pode tirar o prazer das coisas e torná-las uma tarefa árdua.

Conversar com os jovens e mostrar-lhes como a auto-expressão é uma extensão da sua identidade, que é tal como as palavras que escreve no seu telefone, é importante; sua vocação criativa pode ser sua alegria absoluta. Você tem que abrir a porta e dizer a eles: “Este museu é seu para sempre”. A exposição enquadra-se nisso, porque a música é isso – é arte e é para sempre.

Em muitos aspectos, a exposição complementa as ambições globais deste museu. Ela se tornará uma linda lembrança depois de nove meses, mas espero que, como uma boa palestra na universidade ou na escola, ela viva com você como uma pequena pepita de inspiração.

Além do número de visitantes ou da cobertura positiva da imprensa, como seria o sucesso desta exposição?

Só quero que as pessoas saiam da exposição, se possível, pensando com admiração. Pessoas que fazem música caminham entre vocês; você pode estar sentado ao lado deles no ônibus, eles podem estar sentados à sua frente no trem. Pense em como é incrível viver sob o mesmo céu de alguém que faz música que faz você se sentir melhor consigo mesmo.